Lek : Les frontières communes du design d’espace et de l’art

L’art et le design d’espace flirtent déjà depuis de nombreuses années. De nombreux designers d'espace de renom tel que Peter Marino (que l’on appelle le "mécène des arts” pour ses plus de 250 commandes à des artistes pour ses aménagements) les intègrent avec succès dans leur travail, mais pourquoi les assembler et quel est leur lien ?

Prenons comme exemple le street-art, de plus en plus utilisé dans des projets de design d’espace. Pour nous en parler nous avons décidé de demander son avis sur cette vaste question à Lek. Artiste street-art reconnu et ayant fait partie des premières vagues de graffeurs parisiens des années 80/90, il est passé par une école d’architecture ce que l’on sent dans son travail. Ses compositions prennent en compte la notion d’espace, invitant celui qui regarde à déambuler visuellement dans sa peinture. Une vraie expérience qui serait à la limite du design d’espace dans sa manière de concevoir l'œuvre.

Créateur de la résidence artistique sauvage de 40 000 m2 "le Mausolée", il a entre autres choses investi les sous-sols du Palais de Tokyo avec son binôme Sowat et d’autres graffeurs/artistes pour une exposition hors normes intitulée "dans les entrailles du Palais secret".

Habitué des collaborations, que pense-t-il de celle de l’art et du design d’espace ?

Atome : Vous avez dit "Le graffiti m’a poussé vers le dessin et le dessin vers l’architecture." Pensez-vous qu’il y a un lien entre le graffiti et l’architecture d’intérieur et si oui où se rejoignent-ils ?

Lek : Oui, j’ai d’abord commencé le dessin comme n’importe quel collégien, mais à un moment on m’a demandé d’être fort en mathématiques, ce que je trouvais hallucinant. Et puis je suis tombé face à des gens en dessin technique qui voyaient ce que je faisais à côté, que je dessinais beaucoup, que je faisais autre chose et c’est eux qui m’ont amenés vers l’architecture.

Mais j’étais déjà très rectiligne, un peu géométrique, dans ma façon de faire le lettrage j’étais un petit peu bloqué par des formes géométriques. Ce genre de pratique m’a amené dans une école d’architecture. Mais quand je suis rentré, je ne me sentais pas très éloigné de ce monde là au final. Avec le graff j’avais déjà commencé à faire des friches avant même l’école d’archi. Lorsque je rentrais dans une friche, c’est comme si j’appréhendais ces lieux d’une certaine manière. J’observais mon environnement comme un architecte qui, avant de construire, fait un plan d’étude sur tout le quartier pour voir les incidences que cela peut avoir. J’agissais déjà comme ça avant même d’avoir cette méthodologie en tête. Bien sûr, c’était plus naturel et simplifié que ça, je n’avais pas un carnet dans lequel j’écrivais mes sensations. Mais j’écrivais des trucs et selon ces sensations ressortait un certain type de peinture dans ces lieux là.

Donc quand je suis arrivé en architecture j’étais totalement dedans déjà, ça me plaisait et je m’y suis retrouvé. Après je me suis arrêté à la 5ème année car je me suis rendu compte que le métier d’architecte était au final un métier très technique. Une fois que tu as eu l’idée, tu rentres dans des plans, des schémas et je me suis dis que ce n’étais peut être pas pour moi. J’aurais aimé être comme Jean Nouvel, faire des croquis et revenir uniquement sur le travail des autres pour dire "tu m'enlèves ça, tu me rajoutes tant de fenêtres". Il y a une partie qui m'excitait et une un peu moins.

J’ai au final appliqué ma peinture dans ce système là, mais je pense que oui il y a un vrai rapport entre la peinture, le graff et l’architecture. Le rapport c’est l’espace et il faut réfléchir comme un architecte. Lui va mettre une cloison là où toi tu vas mettre une rupture dans ton graff, ou créer des sensations avec tes peintures. C’est ça qui m’intéresse, le rapport qu’il peut y avoir entre les architectes, designers, graffeurs. On crée des sensations par rapport aux couleurs, à la texture sur laquelle tu peins, en fait il y a beaucoup de rapports, enfin c’est comme ça que je le décris.

Tu dois être familier avec le modulor de Le Corbusier,  prends-tu en compte l’échelle humaine pour faire vivre tes œuvres ?

Complètement, par exemple sur le projet du palais de Tokyo avec Matthieu (l’artiste Sowat) on a vraiment voulu partir sur quelque chose de disproportionné. Comme si tu rentrais dans un gouffre duquel tu ne pouvais pas sortir. Une sorte de kaléidoscope, dans lequel tu es enfermé par des prismes.

Soit tu fais des choses à échelle humaine pour accompagner les gens de manière naturelle à comprendre ou juste regarder différents types de peinture. Soit tu les prends par la main pour finalement les jeter dans un gouffre dans lequel ils vont vivre différents types de sensations . C’est en fonction des peintures que tu vas créer différents types de sensations ou pas. C’est comme les couleurs, j’aime bien le rouge par exemple parce que ça capte vraiment bien les regards, ou le jaune parce que c’est une couleur apaisante.

Mais au final, il y a très peu de gens qui viennent vers moi pour ça et je suis content de pouvoir m’exprimer sur le côté plus architectural de mon travail. Car même si c’est abstrait, il y a une structure derrière mes travaux. Elle va être là pour accompagner l'œil ou le regard de la personne qui est en train de vivre ce moment, que ce soit dans une galerie, un espace perdu ou une salle d’exposition.Il est très intéressant de pouvoir être l’accompagnateur de l’expérience du public.

Comme un sens de lecture qui serait caché et là pour accompagner le spectateur ?

Oui exactement, j’ai toujours cette notion là, c’est pour ça que j’aimais beaucoup la scénographie en théâtre. J’ai touché à plein de trucs, j’ai fait du naval, j’étais vraiment attiré par le côté claustro quand tu dois bosser dans des petits espaces. J’étais très intéressé par le fait de créer de la distance ou de l’espace. Avoir toutes ces notions là permet qu'à ton arrivée dans un lieu, dans une friche ou autre, de ressentir toutes ces pressions là, différentes sensations par le biais de l’espace .

Pour revenir sur cette exposition immersive au palais de Tokyo « Lasco Project ». Ta façon de concevoir le public et son expérience est-elle différente de ton travail plus graff en extérieur ? Et si oui en quoi ?

Au début, quand on est arrivé au palais de Tokyo c’était pas vraiment le lieu auquel on s'attendait et j’ai pris ça comme un challenge, celui de trouver une solution avec ce qu’on te donne.

Dans le Palais de Tokyo j’ai créé différents lieux, dans la cage d’escalier j’ai recréé une cage d’escalier de cités HLM où tu peux griffonner des choses, écrire au briquet. Tout l’espace est comme ça et monte crescendo pour finir par Azyle. Même s’il ne se dit pas artiste, je considère Azyle comme tel car il représente tout ce que peut être un artiste aujourd’hui, il peint avec le seul but de peindre et c’est formidable. Il a fait beaucoup de métros parisiens et a une sorte de signature, elle est sa signature tout en étant sa peinture. Il la peint en répétition comme une punition. C’est fait de manière très intuitive et son rapport aux matériaux est très intéressant, c’est justement lorsque tu connais bien chaque artiste que tu arrives à créer un ensemble, une œuvre en crescendo. Ce qui va au final servir d’accompagnement, avec le caractère et la patte de chaque artiste, comme dans une musique avec un thème qui arrive à la fin. Et tout le palais de Tokyo a été pensé comme ça.

On ne savait pas encore quels artistes nous allions avoir, on était encore à ce stade dans un moment très particulier du projet. On se demandait si on allait avoir un bon retour au niveau de la compréhension de ce qu'on avait fait, c’était un vrai questionnement pour moi. On a pas fait un projet entre potes, mais avec des gens que l’on estime et que l’on pensait pertinents pour ce projet là, c’était un parti pris. Je préfère faire ça que de prendre des potes à moi et que ça n’ai pas le même rendu final. On a pris des gens avec une écriture très particulière, assez abstraite.

Il manquait plus qu'à le présenter et c’est pour ça qu’une grande partie du travail était de construire le lieu aussi autour de ces personnes là. Bien sûr, le lieu était déjà construit, mais il faut savoir à quel moment tu vas les placer dans ton dispositif pour avoir une bonne lecture de l’ensemble. Même si pour 70% des gens la lecture va simplement être de la peinture et de la couleur. Mais j’avais besoin de le sentir comme ça, c’est ce qui a permis qu’on soit compris par le Palais de Tokyo. Ce sont des gens et un public, encore très contemporain, nous ça nous intéressait aussi de passer par ce biais là pour voir comment ils allaient comprendre les artistes qu’on avait autour de nous.

C’est vrai que la culture graff veut garder son côté "vandale" et ne pas trop se faire récupérer par le milieu artistique. Toi tu dis avoir passé ce cap, est-ce que le prochain questionnement c’est celui de la réutilisation marketing de tes œuvres ?

Moi ça ne me dérange pas au final, c’est comme en architecture, à partir du moment où tu comprends ce que tu fais. Et c’est important pour moi, un peu comme dans le graff, d’être partout et je me sens pas mal si ça part dans du merchandising à mort à partir du moment ou j’arrive à diffuser une certaine forme d’art. Ça m'intéresse parce que ça appuie tout le reste de mon travail. Au contraire, je suis un peu comme Vasarely, je ne crée pas pour un milieu en particulier. Même s’il faut quand même que la marque ne soit pas en total désaccord avec mes principes.

Après je ne cours pas après ça et j’en ai fait peu, quand je l’ai fait c’était dans le monde du luxe. Je m’y suis intéressé parce que je me sens un peu artisan, et quand t’arrives là bas t’as de grandes dispositions et t’as l’impression que t’es le mec qui travaille le cuir et qui fait ça depuis 40 ans, ça te procure un bon sentiment. En tout cas, je me sentais pas mal à l’aise, j’avais l’impression de maîtriser quelque chose et de le mettre en œuvre. Bon des fois pour des choses qui sont disproportionnées en termes de chiffres mais c’est tout. Mais à côté je le fais aussi pour des associations qui n’ont pas un sous et que je vais aider. Par contre, pour des marques qui ont des sous là je vais les prendre. Pour moi il faut aider tout le monde et si j’ai de l’argent je peux aider les petites structures.

J’ai vu que vous faisiez partie de l’agence d’événementiel et d’arts visuel Osaro, comment vivez-vous la rencontre entre le marketing et le street-art ?

Je n'ai pas commencé depuis très longtemps, j’ai fait un grand mur avec eux et c’était top. Mais je pense que je ne suis pas forcément très vendeur auprès de la clientèle qu'ils peuvent avoir. Il faut pas oublier que là où c’est un jeu un peu biaisé, c’est qu’il y a le street-art et le graffiti et moi je fais partie d’un truc particulier qui est l’abstraction. Parfois c’est vendeur, d’autres fois non et ils voudraient quelque chose de plus figuratif.

Dans l’abstraction tu peux faire Marylin Monroe avec 5 détails et les gens comprennent. Mais ils peuvent avoir du mal à savoir pourquoi tu as mis du jaune et du bleu. En tout cas, ils se posent beaucoup de questions. C’est pour ça que ça me fait plaisir de travailler dans un autre univers. Parce que tu rajoutes une autre couleur à ta palette, je pourrais refuser le plan mais du coup les gens ne verraient plus qu’un seul type d’image. Mon but est toujours de diffuser le fait qu’il y a différents courants, différentes façons de faire, d’interpréter l’espace.

Avec Osaro on a fait des murs, et j’étais un des seuls à utiliser le mur béton qui était derrière et cette démarche peut choquer les gens, le fait que je choisisse d’utiliser le vieux mur derrière. C’est une question d’histoire qui est propre à moi-même et certains artistes, c’est ce qui fait que j’aime bien ce type de projet, ça me permet de développer mon dialogue à partir de différentes expériences. Il faut se dire qu’il n’y a pas de sous projet et tout est faisable. C’est agréable lorsque les gens comprennent, ils viennent te voir, on parle, ce qui permet de diffuser ta manière de faire.

Tu as déjà en partie répondu mais comment l’art peut s’intégrer dans une démarche marketing ? Et qu’est-ce que cela va apporter selon toi ?

Le fait que j’arrive à pouvoir le faire c’est justement pour changer la vision des gens, parce que la plupart du temps ils ont vu des choses qui sont "correctes". Je voudrais pas stigmatiser un certain type de peinture, mais certaines sont plus faciles à comprendre, digérer, et d'autres nécessitent d’être "accompagnées".

Moi ce qui m’intéresse dans les projets orientés marketing, c’est d’accompagner et montrer qu’il y a d’autres manières de faire. Et tu le vois bien que dans les projets comme ça, les artistes qui marchent sont ceux qui parlent à un très grand public.

Moi je veux pas plaire au grand public, je veux plaire à un public qui même s’ils sont débutants se disent "ok même ça ça peut avoir sa place ici" et c’est pour ça que je veux être présent dans différentes sphères. C’est comme ça qu’on arrive à faire passer le message.

En tout cas s’il y a un message à faire passer, c’est que l’art n’a pas de frontière et s’il y a de l’argent c’est très bien mais s’il n’y en a pas c’est très bien aussi. Avoir de l’argent ou pas, c’est pas ça qui va me faire arrêter.

J’ai récemment fait un projet pour une école d’architecte d’intérieur à Lyon. Et au début, les gens ne comprenaient pas trop ce que l’on faisait. Et puis en avançant, ils ont commencé à comprendre que l’on avait utilisé l’espace, il y avait certains profs qui venaient vers nous comme s'ils réapprenaient la peinture.

L’autre artiste avec lequel je travaillais, était sur un travail en arc de cercle, un peu tourbillon, qui te donnait l’impression d’avancer, c’est pour ça que n’importe quelle forme graphique si tu l’amène au bon endroit les gens la comprennent.

Au Mausolée par exemple, j’ai utilisé les contraintes du lieu pour faire des peintures comme cela m’intéresserait de le faire et là aussi on retrouve les mêmes contraintes, là encore tu te demandes qu’est-ce que je fais ? Est-ce que je fais un aplat ? Comment j’utilise l’espace ?

Même si c’est des peintures plates, le lieux est aussi important que la peinture. Par exemple sur le dernier projet à Lyon c’était super important de voir comment le regard des gens se posait sur des formes abstraites. Le premier jour on avait aucune réaction parce qu’ils ne comprenaient pas, et c’est comme s’ils avaient compris l’astuce à la fin. Ça les replongeait dans leur apprentissage de l’architecture. C’était tous des étudiants en architecture d’intérieur, eux ils jouent plus avec des matériaux et nous avec de la peinture donc ça m’a intéressé de toucher ce type de profil.

Et lorsqu' on appelle pour un projet on te donne un vrai cahier des charges ou on te dit un peu "fait ton truc" ?

Ma chance aujourd’hui c’est que l’on me demande de moins en moins de faire un speech. On sait ce que je fais et on me fait de plus en plus confiance. Mais c’est vrai que le client est souvent intrigué au début, il a un peu peur de ce que ça va rendre.

Tu dirais que même si le design d’espace fait souvent appel à l’art il y a toujours une méfiance quant au rendu ?

Un peu, parce que même si le client a confiance en toi, il a aussi peur du rendu. Et pour Lyon au final ça s’est super bien fini et le rendu a plu. Et tant mieux, parce qu' une fois que c’est fini c’est eux qui vont vivre avec ça tous les jours. Moi je serai déjà chez moi à réfléchir au prochain.

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